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En la publicidad alemana de la película Malditos Bastardos, se eliminaron o cubrieron todas las esvásticas ya que no estaba claro para el distribuidor si violaban la ley germana que prohíbe la exhibición de símbolos nazis excepto para propósitos con precisión histórica.

Quentin Tarantino empezó a escribir el guión antes de Kill Bill: Volume 1, pero no se le ocurría ningún buen final, así que lo fue dejando y empezó a rodar Kill Bill, un proyecto que tenía en mente desde Pulp Fiction.

Durante el estreno de "El orgullo de la nación" puede verse cómo Goebbels presenta a Shosanna al "gran actor alemán Emil Jannings". Jannings fue efectivamente uno de los más grandes actores del cine alemán y mundial en los años previos a la guerra. Fue el primer actor que ganó un Oscar, en la primera edición de estos premios en 1928, por su magistral interpretación en "La última orden", de Josef von Sternberg. Posteriormente, ganó fama mundial con "El ángel azul" (1930), también de Sternberg, en la que compartía estrellato con la debutante Marlene Dietrich. Lamentablemente, puso su talento al servicio del régimen nazi participando en numerosas películas de propaganda para la productora UFA, controlada por Josef Goebbels. Tras la guerra, fue repudiado por la industria americana del cine muriendo en 1955 en el mayor de los olvidos.

Cuando el comando encabezado por Aldo Raine llega al cine acompañando a Bridget, ésta los presenta al coronel Landa como "cineastas italianos", uno de los cuales se llama Antonio Margheriti. Este es un claro homenaje de Quentin Tarantino a Antonio Margheriti, un director italiano de los 60 especializado en películas de bajo presupuesto. Bajo el seudónimo de "Anthony M. Dawson" rodó docenas de films baratos, como spaghetti westerns, ciencia ficción o terror, la mayoría infumables, pero pertenecientes al "trash cinema" europeo de los años 60 y 70 que tanto entusiasma a Tarantino.

El nombre del General Ed Fenech, interpretado por Mike Myers, es un homenaje a la actriz Edwige Fenech, protagonista de numerosas e inolvidables películas eróticas italianas de los años 70.

El actor alemán Gedeon Burkhar, el bastardo Wilhem Wicki, fue desde 1995 hasta 2001 el protagonista del éxito de televisión "Rex, un Policia Diferente", acompañando al perro que da nombre a la serie.

El nombre de Marcel, el proyeccionista que trabaja con Shosanna es una variación de Marsellus, el personaje de Marsellus Wallace en Pulp Fiction, también negro y que tenía una relación con una mujer blanca.

Quentin Tarantino quería hacer una película de guerra al estilo del spaghetti western, decidió que el título sería "Érase una vez en la Francia ocupada". Finalmente lo desestimó, pero dio ese nombre al título del primer capítulo de la película.

Bridget Von Hammersmark, el personaje interpretado por Diane Kruger, una estrella de cine popular en la Alemania nazi, está inspirado en la famosa actriz alemana Marlene Dietrich y la directora Leni Riefenstahl, quien llegó a dirigir documentales tan destacados como "El Triunfo de la Voluntad" y "Olympia", auténticas obras maestras del cine, aunque desgraciadamente al servicio del Gobierno nazi, lo que la llevó al ostracismo tras la guerra

Las letras con la que muestran los capítulos y la de los créditos son las mismas utilizadas en Pulp Fiction.

El parte donde una voz en off habla sobre los problemas de las películas inflamables, es narrado por Samuel L. Jackson. De la misma manera, el oficial americano que habla por la radio y que pacta con el coronel Landa al final de la película es Harvey Keitel, otro habitual en las películas de Quentin Tarantino.


El primer día que Milos Forman y el equipo de rodaje de Amadeus entraron en el Teatro Nacional de Praga para localizar los lugares donde se instalarían las cámaras, Peter Shaffer, autor de la obra de teatro Amadeus, del guión de la película y gran conocedor y amante de la música de Mozart, desapareció durante unos minutos. Milos Forman lo encontró escondido y llorando en un pasillo lateral. Shaffer estaba emocionado al saber que estaba pisando exactamente el mismo Teatro en el que Mozart estrenó su ópera Don Giovanni dos siglos atrás.

F. Murray Abraham cuenta que en el bellísimo hotel de Praga donde se alojó el equipo de rodaje le tocó compartir su habitación con un compañero muy desconfiado que estaba convencido de que los comunistas habían escondido micrófonos para espiar sus conversaciones. Empezó a buscar frenéticamente por todos sitios hasta que, finalmente, encontró una placa metálica atornillada en el suelo debajo de una alfombra. "¡Ajá!", le dijo a Abraham. "¿Lo ves? ¡Tenía razón!". Y se puso a desatornillarla con un pequeño cuchillo de cocina. Cuando sacó el último tornillo se oyó un gran estruendo: había desatornillado el anclaje de la enorme lámpara de cristal de la suite inferior. Murray Abraham y su desconfiado compañero bajaron rápidamente a comer antes de que nadie hiciese averiguaciones.

El cuatro de julio de 1983, fiesta nacional en los EE.UU., el equipo de "Amadeus" estaba a punto de empezar el rodaje de una de las escenas más espectaculares en el Teatro Nacional y cuando Milos Forman dijo "¡Acción!", en lugar de oírse la música de Mozart que debía sonar en ese momento se oyeron los acordes del himno nacional y todos, equipo técnico americano y extras checos, se pusieron en pie y comenzaron a aplaudir y a cantarlo. Todos, excepto una treintena de extras que no sabían qué hacer y miraban alucinados a todas partes. Eran miembros de la policía secreta que estaba vigilando el rodaje por orden del gobierno checo.

En una de las tomas de la representación de don Giovanni, el actor y cantante checo Karel Fiala, llevaba una larga pluma de pavo en el sombrero y al girarse para responder al fantasma de su padre, el Comodoro, la pluma se prendió fuego y la cabeza del actor empezó a arder poco a poco sin que éste se diera cuenta y ante la atónita mirada de los extras que contemplaban la escena y que no se atrevían a intervenir. Sólo un bombero se atrevió a levantar la voz para decirle a Milos Forman: "Señor, su actor está ardiendo". Cuando la cámara está rodando es un momento así, no se puede interrumpir por tonterías como esa.

Las escenas de ópera fueron rodadas en un auténtico teatro, no en un plató. Se trata del Teatro Nacional, que era completamente de madera e incluso se iluminaba con farolas de gas en lugar de electricidad. Como lugar de rodaje era magnífico, pero también muy peligroso, ya que podía prenderse fuego con mucha facilidad y todas las escenas rodadas en él se hicieron con la luz de miles de velas. Entre 30 y 40 miembros del Cuerpo de Bomberos de Praga estaban dispuestos entre bastidores para intervenir en caso de que la estructura de madera se incendiase.

La película fue rodada íntegramente en Praga, Checoslovaquia, ciudad natal de Milos Forman, ya que según el director "la incompetencia y dejadez del régimen comunista había permitido que la ciudad mantuviese el aspecto y las infraestructuras propias del siglo XVIII". En el casco viejo de Praga, el llamado Hrad o "castillo", no había carteles publicitarios ni otros elementos propios del siglo XX y bastó con cambiar unas cuantas farolas para convertirla en la Viena de Mozart.


Stephen King, como autor de la novela El Resplandor, iba a escribir el guión de la película, pero tras conversar con varias personas que habían trabajado con Kubrick, y escuchar las terroríficas historias acerca de las excentricidades y exigencias del director, declinó la idea.

El diseño del salón y el pasillo principal del hotel Overlook se basan fielmente en los del hotel Ahwahnee en el parque nacional de Yosemite (California, USA). Las lámparas de araña, las ventanas y la chimenea son también casi idénticos. Muchos huéspedes de Ahwahnee preguntan si es el hotel de El resplandor.

En una escena donde se ve a Danny Torrance jugando con unos coches de juguete sobre la alfombra, los coches se desplazan sobre las líneas de la alfombra y aparece una pelota amarilla. En la escena siguiente, el tramado de la alfombra no es el mismo y se verifica que los coches no están sobre el mismo lugar. Sabiendo lo perfeccionista que era Kubrick, es un error voluntario, para dar a entender que tanto la pelota como las apariciones eran juegos de la mente.

La Warner y Stanley Kubrick, nada más poner en marcha el proyecto, ya habían elegido a Jack Nicholson para el papel de Jack Torrance, les encantó sus interpretaciones en "Alguien voló sobre el nido del cuco" y "Chinatown". Además, Kubrick le seguía los pasos desde que le vio en "Easy Rider".

Cuando Jack está sentado en la cama junto a Wendy y ella le pide que se vayan a ayudar a Danny, durante la fuerte discusión Jack llega a decir: "¡Podría volver como un auténtico escritor y conquistar Boulder". Boulder es la localidad donde vivía Stephen King cuando se le ocurrió la idea para escribir la novela "El resplandor".

A Europa llegó para televisión una versión de 114 minutos de duración, en Japón salió un DVD con la versión integra, que incluía la muerte completa de Halloran, alargando la película hasta los 154 minutos

Jack sufre de insomnio y como no puede dormir, aprovecha para escribir; Stephen King, también padecía insomnio cuando la escribió.

Como al guión original durante el rodaje sufría muchas modificaciones, Jack Nicholson optó por dejar de aprendérselo de memoria y estudiar el día anterior sólo lo que le tocaba hacer al día siguiente.

Hay un detalle en toda la escena donde Danny y Wendy entra al laberinto: en un primer momento, la maqueta tiene una cierta cantidad de pasillos, pero cuando Jack la observa y ve a su familia andando por el laberinto, ésta se ha vuelto mucho más intrincada. Esto no es un error, es una forma de representar la mente de Jack y para revelar que, a partir de ese momento, Danny y Wendy son potenciales víctimas de la locura del protagonista.

El final de la película dio lugar a variadas interpretaciones. Kubrick nunca se molestó en indicar cual era la correcta de las muchas con las que se especularon.

La escena en donde Jack Nicholson dice la frase: "¡Aquí está Jack!", Kubrick mandó repetirla hasta 157 veces, con lo qué se convirtió en una de las escenas más repetidas en la historia del cine. Por cierto, que esa frase fue improvisada por el propio actor.

La escena en la que Jack amenaza a Wendy mientras están subiendo las escaleras, se repitió 60 veces. A pesar de que la primera toma fue buena, Kubrick quiso que el agotamiento de repetir muchas veces una misma escena se reflejara en la cara de Nicholson en forma de locura e ira.

La película contaba con un final alternativo, después del actual se pasaba a una escena en un hospital, en dónde Wendy está descansando en una cama y Danny jugando en la sala de espera. Stuart Ulman (Barry Nelson) le dice que ellos han sido incapaces de encontrar el cuerpo de su marido. Más tarde, Ulman da una pelota a Danny, la misma que misteriosamente rodó antes en el hotel. Ulman se ríe y se aleja. Kubrick quitó este final una semana después de terminar de rodar la película, no obstante llegó a exhibirse en algunas salas en los primeros días de estreno.

Los actores preferidos de Stephen King para el papel de Jack eran Jack Palance, Mike Moriarty, Martin Sheen o Jon Voight. Trató de convencer a la Warner y a Kubrick para que no contrataran a Jack Nicholson, pero ellos ya lo tenían decidido desde un principio. Stephen King argumentaba que Nicholson no daba la impresión de que gradualmente estuviera volviéndose loco, porque desde el comienzo de la película ya parecía estarlo.

Para el joven actor Danny Lloyd ésta era su primera película y como Stanley Kubrick estaba a favor de la protección de los niños, consiguió que Danny no supiera que estaba trabajando en una película de terror hasta después de terminarla.

Kubrick tenía pensado, en un principio, que en el final de la película murieran todos los personajes principales y regresaran como fantasmas. Stephen King se negó en redondo.


La futurista y apocalíptica película Mad Max, con un pequeño presupuesto de 350.000 dólares, consiguió recaudar 100 millones de dólares en todo el mundo.

El filme estuvo prohibido en Suecia y originalmente, en Francia fue clasificado como X.

Al año siguiente de estrenarse la película se hizo otra llamada "Peligro: reacción en cadena", que contaba con gran parte de los actores de "Mad Max" y en la que aparecía Mel Gibson en un pequeño papel de mecánico que no figura en los créditos.

En una de las escenas de más alto riesgo, uno de los especialistas falleció durante un accidente espectacular que no obstante fue incluido en el metraje original.

La furgoneta que aparece al principio de la película era del director y la sacrificó en la escena para ahorrar dinero en el rodaje.

Max está arreglando el coche, la mujer se le acerca a hacerle unas carantoñas y lleva puestas unas botas altas de ante, se besan y ella se va hacia la playa y... ya no lleva botas sino sandalias de goma de toda la vida.

La voz de Mel Gibson fue doblada al final del rodaje ya que los productores temieron que la audiencia americana no lo entendiese por su fuerte acento australiano.

Algunas de las cosas que los Nightriders dicen por la radio son letras de la canción de AC/DC "Rocker".

El coche que Max conduce, el "último de los V8 interceptors", es un Ford "XB Falcon Hardtop", vendido en Australia entre Diciembre del 73 y Agosto del 76. El coche en la película tenía un motor V8 de 5.75 litros.

Los productores estaban buscando a alguien duro y desalentado para el papel de Max. La noche anterior a la prueba de selección para la película, Mel Gibson se cortó la cara en una pelea de bar, lo que le ayudó a conseguir el papel.


El título original de la película es "Some like it hot": A algunos les gusta caliente. Este título hace referencia a la música que tocan en la banda femenina y no a ningún tipo de connotaciones sexuales. Lo curioso del tema es que en España no fue traducida por "Con faldas y a lo loco" por la cuestión sexual, sino simplemente porque en ese momento estaba triunfando la canción titulada "A lo loco". Por su parte, en Italia la titularon con la ingeniosa frase que cierra esta obra de arte: "Nadie es perfecto", quitándole toda la gracia a tan agudo final.

Durante el rodaje, Marilyn Monroe llegaba todos los días al plató dos horas tarde. A veces, se encerraba en su camerino y se negaba a salir. Billy Wilder acabó tan harto de ella que se aseguró de que no la invitaran a la fiesta de fin de rodaje.

George Raft, famoso por sus papeles de gángster en películas clásicas del cine negro de los años cuarenta, dedicaba su tiempo de descanso entre tomas a enseñar a Jack Lemmon y Joe E. Brown a bailar el tango.

El papel de Jerry/Daphne le fue ofrecido primero a Jerry Lewis, quien lo rechazó porque no quería que el público le tomara por una "drag queen". De modo que fue Jack Lemmon, el actor fetiche de Wilder, el que se hizo cargo del personaje que le convirtió en gran estrella y por el que ganaría su primera nominación al Oscar como mejor actor. Según Jerry Lewis, desde entonces, Jack Lemmon le enviaba todos los años una caja de bombones coincidiendo con el aniversario del estreno de la película.

Marilyn Monroe exigía que su profesora de interpretación, Paula Strassberg, estuviera presente durante el rodaje de sus escenas. Cada vez que terminaban una toma, Marilyn miraba a su profesora y le preguntaba cándidamente "¿Lo he hecho bien, Paula?". Billy Wilder, harto de aquella ridícula situación, decidió cortar por lo sano. Al finalizar la siguiente toma, Wilder se volvió hacia la Strassberg y le preguntó, con voz en falsete, "¿Lo ha hecho bien, Paula?". Se montó tal follón que Paula Strassberg no volvió a aparecer por allí. A Marilyn le dio un ataque de nervios que a punto estuvo de malograr todo el proyecto.

El diseñador de vestuario Orry Kelly se encargó de hacer los vestidos de Marilyn Monroe, así como los de Tony Curtis y Jack Lemmon. Durante las pruebas de rodaje, entró al camerino de Marilyn para tomarle medidas y, mientras pasaba la cinta métrica alrededor de las caderas de la escultural actriz, le comentó bromeando: "Tony Curtis tiene un culo mejor que el suyo, señorita Monroe..." Entonces ella se quitó la blusa y le replicó, furiosa: "¡Pero seguro que no tiene unas tetas como éstas!".

Billy Wilder estaba harto de la impuntualidad de Marilyn. En una ocasión comentó: "Antes quedabas con ella a las 9 y llegaba a las 11. ¡Ahora la llamas en Mayo y se presenta en Octubre! Una vez le recriminé su tardanza y se excusó diciendo que se había perdido de camino al estudio. ¡Siete años viniendo al estudio y se pierde por el camino! Al principio estaba enfadado porque pensé que eran excusas. Pero lo peor fue cuando supe que me estaba diciendo la verdad."

Al preguntáre a Tony Curtis qué se sentía al besar a Marilyn, respondió: "Fue como besar a Hitler". No es que no le gustara besar a Marilyn, todo locontrario, el problema fue que Wilder le hizo repetir tantas veces la escena que ambos acabaron reventados de tanto beso.

Al final, Tony Curtis fue muy crítico con Marilyn. Decía de ella que "era una mujer con el cuerpo de una diosa y el cerebro de una niña de cuatro años".

Billy Wilder tuvo que repetir 59 veces la secuencia en la que Marilyn Monroe pregunta: "¿Dónde está el bourbon?", porque no conseguía decir la frase correctamente y encima, a veces, hasta se le olvidaba.

En un principio, la película iba a ser rodada en color. Así constaba en el contrato firmado por Marilyn Monroe. Pero al realizar las pruebas de maquillaje en los actores Tony Curtis y Jack Lemmon, observaron, que éste se volvía de un color verdoso, por la cantidad de maquillaje que tenían que poner en sus rostros para que parecieran cutis femeninos. Marilyn se enfadó muchísimo y quiso rescindir el contrato, pero Billy Wilder, el director de la película, le prometió que iba a quedar maravillosamente perfecta en blanco y negro. Como así fue.


Para las escenas de Man on the Moon, en las que Andy Kaufman aparece con el pelo totalmente rapado víctima de la leucemia, Joachim Culembian, director del equipo de maquillaje, aseguró que fue el propio Jim Carrey quien le sugirió que para la escena sería necesario que le afeitaran de verdad la cabeza en vez de utilizar truco.

Los verdaderos George Shapiro y Bob Zmuda tienen sus cameos en la película: Shapiro es el dueño del bar que despide a Andy al principio. Zmuda es el dueño del local donde Andy kaufman hace su imitación de Elvis. Es el que le dice a Shapiro (De Vito) "Creo que este tipo es de Lituania".

Antes de Jim Carrey, también estuvo el nombre de Kevin Spacey como posible Andy Kaufman. No hubiera sido lo mismo.

George Shapiro fue productor de la exitosa comedia "Seinfeld". Además Michael Richards (Kramer, en 'Seinfeld') fue el actor que increpó al verdadero Andy Kaufman en el programa 'Friday', durante el gag del restaurante.

Shapiro dijo una vez que Andy volvió de Filipinas con su falso tumor en una caja y mientras se lo mostraba, Kaufman decía con un falso y desesperado entusiasmo: "¿Ves? Me lo sacaron. Ahora voy a estar bien".

Antes de saberse que se iba a hacer una película sobre la vida de Andy Kaufman, George Shapiro, manager de Andy Kaufman en vida, visitó a Jim Carrey en su despacho y le dijo que si alguna vez se hiciera una película sobre Andy Kaufman él debía ser el protagonista.

En una de las escenas en las que Carrey pelea con el luchador de lucha libre, puso tanto empeño que sufrió una luxación de cuello que le obligó a llevar collarín durante algunos días.

Muchos de los actores que aparecen en la película conocieron a Kaufman en la vida real, empezando por Danni de Vito, que trabajó en la serie "Taxi" con él. Milos Forman conoció también a Kaufman en una de sus famosas actuaciones, en las que se limitaba a leer los textos de "El Gran Gatsby".

Scoot Alexander y Larry Karaszewki (guionistas), se han convertido en auténticos especialistas en el género de las películas biográficas. Entre sus anteriores trabajos están títulos como: "El escándalo de Larry Flint" o "Ed Wood".

Tras el rodaje, Milos Forman declaró: "No he visto a Jim carrey durante toda la realización de la película, solo he visto a Andy Kaufman". La frase cobra toda su dimensión al estar Kaufman muerto, lo que nos da una idea de la tremenda profesionalidad de Jim Carrey en este papel.

El título de la película proviene de una canción de R.E.M. sobre Andy Kaufman del albun "Automatic For The People."

Una de esas casualidades: tanto Jim Carrey como Andy Kaufman nacieron un 17 de enero.


En El Maquinista, la condición física de Christian Bale en su extrema delgadez era tan mala, que su mujer para apoyarle, lo acompañó en su dieta de una manzana al día en los últimos momentos del rodaje. Al acabar lo primero que pidió Bale fue "un buen filete con patatas".

Cuando Trevor Reznik (Christian Bale) entra en el metro, se ven cuatro carteles de películas, eran en aquel entonces los próximos proyectos de la productora Filmax: "Fragile" de Jaume Balaguero, "The Nun" de Luis De La Madrid, "Romasanta" de Paco Plaza y "Rottweiler" de Brian Yuzna.

La gran mayoría de los exteriores están rodados en la zona industrial de El Prat de Llobregat. Las calles "americanas", son en realidad varias calles del Barri de Sant Cosme, en la misma localidad, ambientadas con el atrezzo necesario para dar el pego como carteles o vehículos. Es en una de ellas donde se reproduce uno de los recuerdos constantes del protagonista: el lugar donde es atropellado el niño. Por medio de un montaje, aparece uno de los iconos de El Prat, La Copa, un depósito de aguas usado como icono para la película.

Este fue el segundo guión que Scott Kosar, guionista en el remake "La matanza de Texas". Lo escribió mientras estudiaba en la U.C.L.A y para darle forma se inspiró en "El quimérico inquilino" de Roman Polanski, "El amigo americano" de Wim Wenders y en la obra "El doble" de Fiodor Dostoyevski.

A raíz de su pérdida de peso para el papel, Christian Bale se sentía tan débil que a veces, sólo hablaba cuando se estaba rodando. Bale llegó a pesar tan sólo 45 kilos. Un año después rodó El Caballero Oscuro, con mucho más del doble de ese peso.


La película está basada en la novela "Carrie" de Stephen King y fue la primera adaptación que se hizo del gran maestro del terror.

La película fue producida por United Artists cuya primera elección para director no había sido Brian de Palma, hasta ese momento sus trabajos más conocidos eran "El fantasma del paraíso" y "Hermanas". Como guionista el estudio contrató a Lawrence D. Cohen, cuyo primer borrador era bastante fiel a la novela, pero las limitaciones financieras hizo que se tuviera que modificar en varias ocasiones y omitir algunas escenas durante el rodaje.

Cuando Carrie hace volcar el coche de Billy, la escena muestra como él gira junto con el coche. El efecto no fue realizado realmente con John Travolta en el interior de un coche girando, si no simplemente haciendo rotar el encuadre de la cámara en post-producción.

La sangre falsa que cae encima de Sissy Spacek, se secó y se pegó a su piel debido al calor de los focos y a que la sangre contenía unos colorantes que en la industria de los cosméticos se conoce como sangre 7-11. La única forma de quitársela fue mojarla con una manguera hasta que la sustancia se volvió pegajosa y luego frotarla durante un buen rato. Por cierto, en rodar toda la escena de la sangre se tardó dos semanas y fueron necesarias 35 tomas. Además, esta escena en la que vierten supuestamente sangre de cerdo sobre Carrie, la actriz le dijo al director que no le habría importado que hubiera sido sangre real.

Para la filmación de la escena del baile entre William Katt y Sissy Spacek, los actores fueron colocados sobre una plataforma que les hacía girar en una dirección, mientras que la cámara lo hacía en sentido contrario.

Se llegó a filmar una escena final que posteriormente fue eliminada, donde Carrie hacía que llovieran del cielo pequeñas rocas, pero la máquina que lo provocaba se atascó y se rompió. Además, la escena no quedaba todo lo convincente que se quería por los efectos que se utilizaban en la época. Finalmente, se optó por quemar la casa a pesar de que ya se habían filmado algunas escenas en el interior de la casa con las rocas.

Brian de Palma en un principio había pensado en Sissy Spacek para el papel de Chris Hargenson. Pero Spacek deseaba ser la protagonista, así que tras conseguir una audición para el papel de Carrie, ella se presentó vestida con un traje que su madre le había hecho cuando estaba en séptimo grado. Sissy se mostró tímida, sensible, torpe... y el director le dio el papel.

Gracias a la filmación de la escena del baile, ofrecieron a Brian de Palma dirigir "Fiebre del sábado noche" y "Grease", ambos protagonizadas por John Travolta, pero rechazó ambas ofertas.

El director Brian de Palma llegó a pedir a la actriz Betty Buckley, la señorita Collins, que diera una bofetada de verdad a Nancy Allen (Chris Hargensen), pues la reacción de Nancy no le parecía lo bastante realista. Betty acabó dándola hasta 30 bofetones. Comentar que en el cine, las bofetadas con la palma abierta suelen ser casi siempre reales, lo chungo es tenerlas que repetir demasiado, como le pasó a la pobre de Nancy, que le dieron la del tigre.

George Lucas y Brian de Palma realizaron un casting conjunto, uno buscaba actores para "Star Wars" y el otro para "Carrie". En un principio Sissy Spacek iba a ser la Princesa Leia y Carrie Fisher sería Carrie, pero Fisher se negó a salir desnuda en la película, por lo que ambas actrices acabaron intercambiándose los papeles.

La actriz Melanie Griffith realizó el casting para el papel de Carrie. Fue rechazada, privándonos de poder disfrutar una vez más del mejor culo de Hollywood.

En la escena final cuando Sue Snell (Amy Irving) coloca unas flores sobre la tumba de Carrie, la mano que sale de debajo del suelo pertenece a Sissy Spacek. Ella estaba dentro de una caja enterrada, no quiso que lo hiciera un especialista.

En la escena del incendio en el gimnasio, dónde una manguera mata a Norma, la actriz P.J. Soles, ocurrió un accidente durante el rodaje, la presión del agua rompió a la actriz los tímpanos y se quedó un rato inconsciente. Que casi la matan de verdad, vamos.

John Travolta conduce en este filme un coche de 1967 Chevelle SS 396. En la película "Pulp Fictión" conduce uno de 1964 Chevelle Malibu.

El nombre del instituto es Bates High School, una referencia al asesino Norman Bates del filme Psicosis, ya que en la novela, el nombre del instituto es Ewen Consolidated High School.

El filme llegó a estar prohibido y luego censurado en Finlandia y originalmente clasificado como X en Inglaterra.


Antes de que Tim Burton fuera elegido como director de Charlie y La Fábrica de Chocolate, se pensó en Robert De Niro para interpretar a Willy Wonka. Además, otros nombres de directores sonaron antes que Tim Burton: Gary Ross, que quería contar con Nicolas Cage o John C. Reilly para el papel de Willy Wonka, Rob Minkoff o Tom Shadyac, que había pensado en Jim Carrey para el papel. De la que nos hemos librado.

Sobre los comentarios del parecido entre Willy Wonka y Michael Jackson, Burton dijo lo siguiente: "La gente ha mencionado ciertas similitudes con Michael Jackson, pero hay una diferencia inmensa entre ambos, porque a Jackson le gustan los niños mientras que Wonka no los soporta".

Para el personaje de Wonka, Tim Burton y Johnny Depp pensaron en la infancia y sobre cómo cada ciudad de Estados Unidos tenía programas presentados por chicos frikys. Chicos con nombres, con peinados y con ropas extrañas. "A medida que te vas haciendo mayor piensas en ello y dices: ¡Ese tío era realmente raro! Pero de pequeño simplemente lo ves y lo aceptas".

Tim Burton rodó la película a la vez que "La Novia Cadáver". "Lo bueno es que la animación es un proceso diferente, más lento, así que pude mantener ambos proyectos separados. Jamás hubiera podido rodar dos películas de acción real a la vez, especialmente una como esta. Pero estuvo bien".

Por cierto, que una de las chocolatinas que aparecen en los flashbacks de la infancia de Willy Wonka, tiene la cara de una calavera que aparece en "La novia cadáver".

La fábrica en la que trabaja el padre de Charlie Bucket hace pasta de dientes llamada "Smilex", el mismo nombre del producto que inventa el Joker en "Batman", también de Tim Burton, y que mata a la gente de ataques de risa.

Cuando se publicó la novela original fue acusada de racista por el trato esclavista que Dahl daba a los Oompa Loompas. En sucesivas ediciones, estos personajes pasaron de ser pigmeos africanos a ser hippies enanos.

Hay una parodia de la película "Escuela de Sirenas" cuando los Oompa Loompa llevan a cabo uno de sus bailes y se lanzan al río de chocolate uno tras otro, realizan el mismo movimiento que las nadadoras de natación sincronizada de "Escuela de Sirenas".

Johnny Depp dijo: "El pelo fue uno de los elementos que vi claramente al principio. El sombrero de copa fue fácil porque procedía directamente de los dibujos de Quentin Blake, pero el pelo lo imaginaba como una especie de estilo Príncipe Valiente, grandes flequillos y melena muy poco favorecedor, pero es algo que Wonka probablemente piensa que es moderno porque ha estado encerrado mucho tiempo y no puede distinguir, como el argot pasado de moda que utiliza".

Johnny Depp se empeñó en ponerse dientes perfectos y lentes de contacto de color violeta para reforzar el aspecto de Wonka tal como lo define Dahl en su novela.

Johnny Depp contó cómo y cuándo le ofreció Burton esta nueva oportunidad para trabajar juntos: "Estábamos cenando y me dijo, "Quiero hablarte de algo. ¿Conoces esa historia, Charlie y la fábrica de chocolate? Pues bien, voy a hacerla y me pregunto si te gustaría interpretar..." y ni siquiera pude esperar a que acabase la frase. Le dije, "Acepto. Por supuesto. Cuenta conmigo, sin ninguna duda".

Los Pinewood Studios de Inglaterra abrieron sus puertas al titánico proyecto del autor de "Big Fish". Allí Burton ocupó siete platós, entre ellos un monumental espacio en el que se suelen rodar películas de James Bond con escenarios envolventes, todos ellos decorados y pintados a mano. Esta apuesta por el trabajo artesanal provocó que la comunicación entre los distintos departamentos fuera primordial, obligando al conjunto de su equipo técnico a recurrir a los ordenadores sólo cuando la realidad imponía unos límites difíciles de traspasar.

Parte de la esencia que hermana el film con el cuento original fue posible gracias a la inestimable colaboración de la viuda de Dahl, Felicity. Esta mujer ya trabajó con Burton en la adaptación de otro relato de su esposo "James y el Melocotón Gigante", se mostró muy impresionada con los esfuerzos del cineasta para traducir con exactitud y respeto la historia ideada por Roal Dahl, tanto que afirmó que su marido habría hecho una perfecta pareja creativa con Burton.

Para elaborar el río de cacao líquido que se desborda por la empresa Wonka, Burton utilizó un suministro continuo de 740.000 litros de chocolate en movimiento. De estos, aproximadamente 120.000 fueron para la cascada y 630.000 para el río, que medía 54 metros de largo y entre 7,5 y 12 metros de ancho.

El saludo de brazos de los Oompa loompas es el mismo utilizado por los alienígenas de Plan 9, dirigida por Ed Wood y que aparece en "Ed Wood" filme del mismo Tim Burton de 1994.

En un punto del filme el niño llamado Mike Teavee empieza a elevarse flotando en el aire, mientras lo hace adquiere una pose específica que es la misma que usaron Beetlejuice (Michael Keaton) y Lydia (Winona Ryder) cuando flotaban de igual manera en "Bitelchús", película también dirigida por Tim Burton).

En la película aparece un flashback que dice "Quince Años Atrás..." y aparece Johnny Depp, como Willy Wonka, pero con tijeras en la mano. "Eduardo Manostijeras" fue estrenada exactamente quince años antes con Johnny Depp en el papel principal.


Para el papel de Cleopatra, se contrató en principio a Joan Collins, pero tras las pruebas de cámara, ésta no convenció al director Rouben Mamoulian. Entonces se barajaron varios nombres hasta que el de Elizabeth Taylor salió a la palestra. Los ejecutivos de la Fox llamaron a la "reina de Hollywood" ofreciéndole el papel, pero ésta les contestó, bromeando: "¡Lo haré por un millón de dólares!". Para su sorpresa, los productores aceptaron. Fue la primera vez en toda la historia del cine que alguien cobraba un millón de dólares por hacer una sola película.

Roddy MacDowall, que interpreta magníficamente a Octavio Augusto, no fue nominado al Oscar como mejor actor secundario debido a un error burocrático de la Academia.

Los actores previstos inicialmente para Julio César y Marco Antonio fueron Peter Finch y Stephen Boyd, respectivamente. Tras despedir a estos, se intentó contratar a Marlon Brando para hacer de Marco Antonio, pero el mítico actor estaba comprometido con el rodaje de "Rebelión a bordo".

Con una suma aproximada de 195.000 dólares de la época, el presupuesto para vestuario de Liz Taylor era (y sigue siendo) uno de los mayores de toda la historia del cine. Liz luce 65 vestidos diferentes a lo largo del film. Uno de ellos, el que lleva puesto cuando hace su espectacular entrada en Roma, estaba hecho con hilo de oro de 24 kilates.

Para solucionar los problemas con los italianos de "manos ligeras" que tenían hartas a las chicas de reparto, el estudio tuvo que contratar guardias jurados para protegerlas.

El rodaje se prolongó tanto que a Martin Landau le dio tiempo de aprender italiano perfectamente.

Ante los graves problemas que afectaban la marcha del proyecto, la Fox despidió al director y a los protagonistas masculinos, sustituyéndolos por Joseph L. Mankiewicz, Rex Harrison y Richard Burton, respectivamente. Además, el equipo se trasladó a Italia, donde el clima era más benigno, para proseguir el accidentado rodaje.

Una vez en Roma, en los estudios Cinecittá, el rodaje se convirtió en una pesadilla. A los continuos caprichos de la Taylor, que rodaba cuándo y cómo le apetecía, se unieron las escandalosas borracheras de Richard Burton, así como el turbulento romance que ambos protagonizaban fuera de las cámaras, que hacía que el set estuviera siempre lleno de periodistas husmeando por todas partes. Además, los italianos contratados como extras no paraban de crear problemas, molestando a las chicas del equipo a la vez que robaban partes del atrezzo, el vestuario y el carísimo material técnico. Incluso los productores descubrieron, asombrados, que había equipos italianos usando los decorados para rodar sus propias películas "de romanos".

Una vez iniciado el rodaje, los problemas no pararon. El equipo montó unos gigantescos decorados egipcios en los estudios Pinewood de Londres, pero no tuvieron en cuenta el clima inglés, el frío, la lluvia y la niebla hicieron estragos entre los miembros del equipo. Liz Taylor tuvo que ser ingresada en un hospital con un fuerte resfriado que se agravó derivando a una meningitis que casi le cuesta la vida. Por eso al final se fueron para Italia.


El papel del Mayor Henry West fue ofrecido a Robert Carlyle, que lo rechazó. Sin embargo, debido al éxito de 28 Días Después, aceptó ser el protagonista de la segunda parte: 28 Semanas Después, pero ya no era lo mismo.

Megan Burns, de quince años de edad, tuvo que tumbarse en el suelo debajo del taxi mientras un montón de ratas corrían sobre ella. La joven actriz comentó: "Cuando leí en el guión todo eso de las ratas pensé: no, no van a pasar por encima de mi cara ni nada de eso y luego al llegar el día me di cuenta de que me equivocaba. Y no sólo tuve que tumbarme allí, sino que además tuve que resistir mientras los animales me pasaban por la cara y seguían huyendo mientras Danny me susurraba: ¡No te preocupes, son ratas limpias, las han lavado con champú esta misma mañana!".

Desde el punto de vista físico, el virus se basaba inicialmente en la fiebre hemorrágica del Ébola, que se transmite a todos los primates, incluido los seres humanos, a través de la sangre y que en la mayoría de los casos conduce a la muerte. El comienzo de la enfermedad es repentino y en algunos pacientes se manifiesta a través de un sarpullido, el enrojecimiento de los ojos y hemorragias internas y externas, que iban incrementando las posibilidades de una infección más amplia.

Para el papel de Jim, Boyle eligió a Cillian Murphy. Boyle había visto a Murphy en "Disco pigs" y pensó que tenía la clase de inocencia que quería para Jim.

Uno de los mayores desafíos a los que tuvo que hacer frente la producción fue el de rodar en una autopista desierta. El equipo obtuvo el permiso para rodar en la M1 una mañana del domingo entre las 7 y las 10 de la mañana. Con la ayuda de la policía que fue parando el tráfico de forma gradual en ambos sentidos y usando diez cámaras, los realizadores lograron captar un minuto de vacío mientras Frank conduce su taxi hacia la ciudad de Manchester.

Al plantearse los exteriores que iban a ser utilizados al margen de aquellos que son características señas de identidad de Londres, los realizadores decidieron hacer la película en una única zona y permanecer fieles a la misma. Para ello, tenían que encontrar una zona en la que pudieran lograr con bastante facilidad transmitir la idea de que está abandonada y el East End, donde vive el director, parecía ser la mejor opción.

Se filmó completamente en formato digital, Boyle ya había utilizado este en dos películas que realizó para la BBC "Strumpet" y "Vacuuming completely nude in Paradise". El productor Andrew Macdonald sostiene que desde el punto de vista práctico habría sido materialmente imposible rodar la película de no haber utilizado el vídeo digital.

Para preparar sus papeles de soldados, todos, incluyendo Christopher Eccleston, fueron enviados a un campo de entrenamiento durante una semana.

La semana final de la preproducción se dejó en su totalidad para los ensayos. Boyle empleó el tiempo para llevar a los actores en el taxi por Londres y ensayar las escenas. También se filmó con tráfico normal y se quitó de forma digital los otros coches

En la película, tuvieron que poner a cada uno de los "contagiados" unas lentes de contacto especiales para conseguir la apariencia de que sufrían una hemorragia interna en los ojos. El productor Andrew Macdonald comentó: "había mucha sangre, muchos ojos. ¡Casi todo el presupuesto se fue en sangre y ojos!".

Se tuvo que rodar gran parte de la noche durante el día, era más fácil graduar las imágenes para que pareciera de noche antes que intentar quitar digitalmente todas las luces de los edificios en las calles.

La escena del tablón de anuncios de Piccadilly Circus se rodó antes de los acontecimientos del 11 de septiembre. La imagen estaba basada en una fotografía que Boyle había visto de un terremoto en China, pero más claramente está basada en un impulso muy humano, el de la gente intentando contactar con los demás, intentando mantener los lazos de unión con otra gente cuando los canales normales de comunicación no están operativos o resultan inadecuados.

Las últimas palabras en la película fueron dichas por el piloto del avión en finlandés: "¿Podrían mandar un helicóptero?". En castellano se tradujo durante el doblaje.

Danny Boile quiso rodar la película con actores desconocidos para que fuese más realista, ya que consideraba que con rostros conocidos a los espectadores les costaría más entrar en situación.

Los exteriores de las calles vacías de Londres se rodaron a primeras horas de la mañana durante cuatro días de julio para evitar la presencia de gente, lo que provocaba que hubiese muy poco tiempo para filmar y no obstante hubo que borrar digitalmente más de una presencia tempranera.

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Comentarios 

 
+1 #1 el peliculista 02-05-2014 03:36
de todas esas es la de la frabrica de los chocolates es la mas pre y es mipelica favorita de todas las que me gustan
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